Mia Wallace torna con un EP

Il disordine prende il via con la traccia che in realtà è un viaggio di otto minuti dentro e fuori dall’oscurità della musica elettronica 

Riccardo Sada

“Disorder” segna una ripresa dopo una pausa di tre anni a causa di un incidente catastrofico che ha portato alla morte di qualcuno molto vicino al gruppo.  Spinta da una solida sezione ritmica unita a una misteriosa melodia poliritmica, la traccia avanza attraverso un paesaggio sonoro distopico che si biforca in un EP, che integra “Momentary Slip”, snervante ma elettrizzante groove meccanico che si allinea a “Silence”, una composizione ambient e melodica; infine, il remix di “Disorder” realizzato da Hiroko Yamamura e quello di Vesy, boss dell’etichetta Morbidyne.

Questa è una versione molto speciale per noi perché arriva dopo un momento molto difficile della tua vita.

“Nel 2017, un incidente in moto ha paralizzato il padre di David, morto a metà del 2018. David si è trasferito immediatamente a Los Angeles per aiutarlo a prendersi cura di lui in ospedale, fermando completamente il progetto Mia Wallace. Questo EP è il nostro primo passo da questo tragico evento e le tracce sono direttamente collegate alla nostra esperienza degli ultimi due anni in alcuni modi fondamentali. Prima di tutto, molte delle registrazioni sul campo nelle tracce sono frammenti di suoni che abbiamo registrato durante un anno in ospedale. Ventilatori, cardiofrequenzimetri, macchine CAT Scan sono tutti integrati durante il rilascio. L’abbiamo fatto in omaggio a mio padre perché era una persona straordinaria piena di amore, determinazione e passione. Oltre ai suoni, abbiamo preso tutta l’energia emotiva che questa esperienza ha creato e rispecchiato nella musica”.

Come descriveresti il vostro nuovo suono?

“Sempre in evoluzione. Ciò è probabilmente dovuto a ciò che siamo come individui e alla crescita personale che abbiamo vissuto durante il viaggio di Mia Wallace”.

Trovate molto difficile confrontarvi con altri produttori.

“Ma traggiamo sicuramente ispirazione da molti luoghi. Ci sono tonnellate di artisti di talento là fuori che ascoltiamo attivamente e con cui vorremmo entrare in contatto in futuro. Eccone alcuni, Etapp Kyle, Colin Benders, ROD, 747, Deepbass, Ben Klock, Dr.Rubenstein, Ken Ishii, Reeko, Hiroko Yamamura e Jason Patrick”.

E la tua collaborazione, David, con l’etichetta Morbidyne? Come è nata questa connessione?

“La nostra connessione con Vesy risale a molto tempo fa. Nel 2014, abbiamo ricevuto un messaggio di punto in bianco da Vesy e dal suo partner all’epoca per il progetto Flatless, Ricky Leo. Gli piacevano alcune delle nostre tracce. L’amicizia è sbocciata rapidamente a Milano tra me e i ragazzi”.

David, le registrazioni di Disorder sono iniziate in ospedale nel 2017?

“Io ho praticamente vissuto in quelle stanze e corridoi dell’ospedale per un anno, e lentamente quelle pareti sono diventate come una seconda casa. Ricordo ancora vividamente di essere stato affascinato da tutta la tecnologia di quelle stanze e da tutti gli strani rumori che tutto produceva. In particolare, ascoltando un monitor cardiaco giorno dopo giorno, non puoi fare a meno di notare le caratteristiche ritmiche e tonali che sono condivise con la musica elettronica e le fonti sonore basate su oscillatore. E poi ho iniziato a pensare a come questa risposta uditiva meccanica fosse il ritmo che teneva in vita mio padre, e come ogni segnale acustico che sentivo fosse stato innescato dal sequencer organico molto incorporato di suo padre, il suo cuore. I sequencer mi affascinano immensamente. Potrebbero essere il mio componente preferito di tutti gli strumenti elettronici ed è stato il sequencer più importante che gli umani abbiano. Questo è stato il punto in cui gli ho chiesto se era giusto per me iniziare a registrare tutti i suoni, in modo da poter successivamente trasformare la sua espressione in musica”.

Molte persone tengono un diario o fanno video e immagini.

“Volevo documentare quegli ultimi giorni con mio padre nel modo migliore che conoscevo, anche se con l’audio. Avanti veloce di un anno, dopo la morte di mio padre, e ci ritrovammo di nuovo in studio. Fare una lunga pausa come questa può essere paralizzante in qualche modo, tutto lo slancio si ferma, hai completamente smesso di fare concerti, i tuoi percorsi di collaborazione sono diventati freddi e sembra che la musica fosse un lontano ricordo. Ma allo stesso tempo, una pausa può essere rinfrescante e utile. Puoi fare un passo indietro e rivalutare il tuo processo, i tuoi obiettivi e prendere il tempo per tornare più concentrato e più efficiente. E così, dove mancava la produzione musicale, al suo posto prese posto una montagna di musica che contemplava. E durante questo periodo di inattività abbiamo iniziato a immergerci più a fondo nell’uso dell’Eurorack, studiando pesantemente l’affascinante ecosistema modulare e curando un nuovo processo di produzione, che sarebbe un approccio molto più live o jamming per fare musica”.

Durante questo periodo avete anche iniziato ad allontanarvi da Pro Tools?

“Che è sempre stata la nostra DAW preferita, come Ableton Live. Quindi, quando finalmente siamo tornati in studio, i nostri strumenti e processi erano cambiati in molti modi. In primo luogo, abbiamo importato le registrazioni del ventilatore di mio padre insieme ai suoni della stanza dai corridoi e dalla caffetteria dell’ospedale in Ableton Live. Abbiamo quindi aggiunto un po ‘di equalizzazione per estrarre la durezza delle registrazioni, un lungo riverbero su una mandata, oltre a impostare un auto-panning su una traccia di ritorno per le tracce a cui inviare le tracce. Per l’auto-pan di solito usiamo un semplice LFO sulle tracce che il panning sa, è un modo semplice per ottenere un movimento istantaneo nella tua traccia. In secondo luogo, abbiamo ottenuto le ossa nude delle tracce di batteria in funzione tramite il nostro rig Eurorack”.

Queste casse da dove provenvano?

“Erano tamburi erano campioni one-shot del Rossum Electro-Music Assimil8tor attivati dal Circadian Rhythms Sequencer di Tiptop Audio. A questo punto è solo un calcio e un semplice cappello a cilindro per tenere il tempo e aiutare a sostenere lo sviluppo del groove melodico. Scopriamo che troppi tamburi fin da subito limitano le tue possibilità sul lato melodico e di piombo delle cose, quindi iniziamo semplicemente con la batteria e poi torniamo da loro una volta che le parti più importanti delle tracce sono state sviluppate. Quindi ora i suoni dell’atmosfera stavano rotolando, il calcio e i cappelli tenevano il tempo e ci siamo rivolti al nostro Elektron Analog Four e al suo potente sequencer incorporato per la melodia principale. Questa è sempre la parte più creativa e divertente del processo per noi. Come al solito, sapevamo che volevamo qualcosa di semplice ma anche qualcosa che non era troppo ovvio. Concentrandoci sul ballare le note più alte intorno ai ritmi positivi e negativi del bar, ci siamo fatti strada verso ciò che ascolti ora. E anche se alla fine è solo una semplice frase a quattro battute, le piccole variazioni la fanno sembrare quasi poliritmica e creano una complessità che mantiene interessante la melodia. I nostri cervelli sono macchine modello che analizzano ed elaborano continuamente la ripetizione di una frase ciclica, specialmente se quella frase ha una varianza melodica. Quindi, se riesci a creare un loop abbastanza complesso da non riuscire ad afferrare facilmente la ripetizione, la traccia è infinitamente più interessante. Questo è un elemento che cerchiamo di incorporare in ogni traccia. Tamburi poliritmici, linee di basso e melodie, sintetizzatori granulari e lunghe registrazioni sul campo senza loop sono alcuni ottimi modi per raggiungere questo obiettivo”.

E a quel punto?

“L’idea principale della pista era lì e tutto il resto era la ciliegina sulla torta. Se ricordiamo correttamente, è qui che è arrivato Juno 106. Si potrebbe facilmente sostenere che Juno potrebbe essere il synth vintage più comunemente usato che si possa trovare nella musica elettronica. Non puoi confondere quei bellissimi pad quando li ascolti … e certo, è su una quantità ridicola di dischi. Ma quando colleghi quel sintetizzatore, assoli il canale e alzi il volume, quegli oscillatori producono le frequenze più belle che tu abbia mai sentito uscire da un altoparlante. È veramente un’esperienza armonica spirituale che tutti dovrebbero testimoniare di persona a un certo punto della propria vita. Per non parlare del fatto che per il modico prezzo di un Giunone, non puoi fare a meno di innamorarti profondamente. Per gli elementi finali, musicali, siamo tornati al rig modulare per completare la sezione ritmica. Qui abbiamo riempito la traccia con più cappelli alti, percussioni e alcuni piccoli suoni simili ad effetti. Infine, sapevamo che volevamo una voce. Fortunatamente, abbiamo la benedizione di poterci rivolgere al geniale Brittney Vandal di Word Vandal per la scrittura e la consegna dei versi parlati che possono essere ascoltati nel mezzo della traccia. Brittney è una parola poetessa con cui è un piacere lavorare e il cui stile si complimenta con il nostro sforzo. Il suo argomento, il tono e l’energia sono sempre esatte e quindi non possiamo fare a meno di includerla su più materiale possibile. Quando si considera la voce, è così facile essere insipidi o “sdolcinati”, invece ha un dono naturale per creare concetti stimolanti e la sua padronanza della lingua inglese non ha eguali. Invitiamo tutti a dare un’occhiata al suo fantastico lavoro su wordvandal.com oggi. Una volta registrati tutti i suoni, iniziano le fasi finali di missaggio e arrangiamento. Questa è sempre la parte più noiosa del processo, ma può anche essere molto gratificante quando catturi la giusta atmosfera nella stanza e le tracce iniziano a respirare in quell’ultimo livello di profondità di cui ha tanto bisogno. Anche se la traccia può già sembrare decente, sono i dettagli che la spingono davvero nella fase finale. Abbiamo un sacco di strumenti di elaborazione ouboard che utilizziamo, ma facciamo anche affidamento pesantemente sui plug-in di Fabfilter, Soundtoys & Waves per stringere e addolcire la pista. Tra tutti i plug-in che utilizziamo, Fab-Filters Saturn potrebbe essere il nostro preferito. È incredibilmente potente, le capacità di saturazione multi-banda possono davvero schiarire, scurire, filtrare, equalizzare e modellare i suoni con risultati meravigliosi. Lo usiamo su quasi tutto. Penso anche che sia importante per te esplorare ciò che stai facendo artisticamente”.

Come ci si sente a lavorare su qualcosa che deve essere sempre fresco e monumentale per la musica elettronica?

“Cerchiamo di stare lontano dalle tendenze quando possiamo, ma ciò non significa che non prestiamo attenzione a ciò che sta accadendo nella scena. Ascoltare altri artisti e trarre ispirazione dai talentuosi musicisti di questo mondo è un modo potente per imparare e crescere. Per noi, ciò che è più importante è spingere i nostri confini e sfidarci a fare musica intelligente e commovente”.

David, tu al momento vivi a Los Angeles, Mike a Chicago. Quanto sono diverse le due scene di musica elettronica?

“Entrambe le città condividono alcuni valori fondamentali come un profondo amore per la musica elettronica e per una vera connessione umana. Ci sono persone davvero meravigliose in entrambe le città che sentiamo felici di chiamare i nostri amici. Chicago è una forza da non sottovalutare. Essere dalla città che è riconosciuta come l’origine della musica elettronica è qualcosa che abbiamo sempre amato e tenuto vicino ai nostri cuori, ma allo stesso tempo, non possiamo escludere l’immensa scena musicale e le opportunità che Los Angeles attualmente offre. Ci troviamo molto fortunati ad avere un piede in entrambe le città. Alla fine, pensiamo che la differenza più evidente tra le due città sia il modo in cui i politici locali gestiscono la congregazione degli amanti della musica elettronica. Nel corso degli anni, è stato sempre più difficile organizzare eventi privati a Chicago. La città ha continuato a rafforzare la propria presa su tali eventi e ha reso molto difficile e finanziariamente pericoloso per loro persino aver luogo”.

Il modo in cui le autorità hanno soffocato la scena di alcune città, a cosa comporta?

“Stanno privando di qualcosa di molto speciale a tutti. Qualcosa che crediamo essere un diritto fondamentale come umani, i diritti di riunire in armonia e celebrare uno dei doni più magici che gli umani hanno, la musica. Vorremmo che la città assumesse una posizione più matura come altre città metropolitane hanno fatto in passato, e che fossero più disponibili a lavorare insieme con noi in modo da poter continuare a coltivare questa importante forma d’arte facendo tutto ciò che possiamo per proteggere le persone. Ma, per ora, non è così. Invece, la città si comporta come un genitore fuori dal mondo che non capisce veramente cosa sta succedendo con i loro figli, e quindi agisce per cecità e ignoranza. Non è un segreto che le droghe siano un fattore nella scena della festa, ma questo non è qualcosa di esclusivo per eventi privati, musica elettronica o persino musica. Un sacco di sostanze pericolose inondano bar, club, eventi non legati alla musica come circoli finanziari, industria aziendale e, naturalmente, circoli di funzionari cittadini ed elite. Pensiamo che la città dovrebbe avere una prospettiva più sviluppata e lavorare con noi invece di rendere le cose più difficili. Considerando il lavoro ripugnante che la città ha svolto con i nostri tassi di omicidio di fama mondiale, i livelli di criminalità sessuale e la completa distruzione del nostro sistema scolastico pubblico, dovrebbero spendere le loro energie concentrandosi sull’elevazione della nostra comunità, non ostacolando l’espressione e la crescita dei suoi artisti. Immagino sia quello che ottieni quando vivi in una città il cui nome è direttamente associato alla corruzione e all’avidità. D’altra parte, la vastità di Los Angeles crea un ambiente che genera molte più opportunità per gli amanti della musica elettronica, e quindi trovi un ecosistema fiorente pieno di prospettive, diversità e belle persone che supportano rispettosamente la nostra grande scena. Certo, ci sono eccezioni nella vita e Los Angeles ha anche mostrato qualche opposizione agli eventi privati, di volta in volta. Per fortuna, non è stato ancora un fattore dannoso essere in grado di sperimentare un’abbondanza di ottima musica a Los Angeles, e possiamo solo sperare che Los Angeles potrà essere un posto fiorente per noi per esprimerci nel futuro a venire”.

E come gestisci questa distanza e come continui a lavorare insieme?

“Okay, è difficile vivere e lavorare separati. Ma finora siamo riusciti a mantenere un flusso di lavoro costante, nonostante la lunga distanza. Tra il telelavoro, la condivisione di sessioni via Internet e il volo avanti e indietro ogni paio di mesi, siamo riusciti a far andare avanti le cose. L’obiettivo per noi è di tornare alla fine nella stessa città e i piani vengono elaborati affinché questa diventi realtà. Nel frattempo, continueremo a concentrarci sullo scrivere nuova musica e migliorare il nostro live set nel miglior modo possibile. Inoltre, c’è un lato positivo della nostra situazione. Essere in due città così influenti contemporaneamente ha i suoi vantaggi. Ci consente di diffonderci un po ‘più lontano e di approfittare di maggiori opportunità che non sarebbero possibili se fossimo in una sola città”.

Oltre a Mia Wallace, avete preso in considerazione il lancio di un nuovo progetto.

“Che avrà un approccio diverso in termini di energia e stile rispetto all’attuale suono di Mia Wallace. Questo è qualcosa che continuerà a includere entrambi come unità e presenterà un lato diverso della nostra creatività. A partire da ora, non abbiamo date fisse disponibili, ma rilasceremo ulteriori informazioni con l’inizio del nuovo anno. Siamo sempre grati per tutto il supporto che abbiamo ricevuto finora e siamo fortunati a poter continuare a fare ciò che amiamo. Speriamo che i nostri fan rimangano in questo meraviglioso viaggio con noi e non vediamo l’ora di fare molti altri anni per fare, rilasciare e suonare musica”.